星球大战

项目由二十世纪福克斯制片主管小艾伦·拉德（Alan Ladd Jr.）在看过卢卡斯的《美国风情画》与拉尔夫·麦夸里（Ralph McQuarrie）的概念画之后拍板。卢卡斯为换取续集权与周边商品权，主动把导演费削减五十万美元——福克斯当时认为周边商品不值钱，这笔交易后来成为电影史上最著名的一次权利让渡。

视觉特效没有现成工业可依靠，卢卡斯因此在 1975 年成立工业光魔（Industrial Light & Magic），由约翰·戴克斯特拉带队开发出电脑控制的运动控制摄影机，使同一元素的多次曝光能在运动轨迹上精确重合。这台机器是影片视觉风格的技术前提。

主体拍摄在伦敦埃尔斯特里制片厂完成，外景包括突尼斯与加州死亡谷。过程问题不断：预算超支、剧组与英方技术人员沟通困难、卢卡斯本人因压力出现健康问题。剪辑由理查德·丘、保罗·赫希与玛西亚·卢卡斯三人完成，终剪版本改变了影片的节奏与温度；声音设计由本·伯特负责，约翰·威廉姆斯在 1977 年 3 月与伦敦交响乐团用八天录完配乐。

1970 年代中期的好莱坞正处在旧制片厂体制瓦解、作者电影兴盛与新式大片尚未成形的空档。卢卡斯最初想做的是对系列短片、《飞侠哥顿》式冒险片与黑泽明《战国英豪》的致敬，而非科幻预言；“二手未来”的设计正是为了与《2001 太空漫游》式的洁癖科幻拉开距离。

影片 1977 年 5 月 25 日在全美仅三十余家影院上映，随后靠口碑扩散，在部分影院连续放映超过一年。它与此前一年的《大白鲨》一起被产业史视为“暑期档大片”模式的起点，同时也改变了特效、声音与周边商品在好莱坞的地位。

• 运动控制摄影与多次曝光合成，使飞船模型的动态镜头达到此前无法实现的精确重复。
• 声音设计作为独立创作层：光剑、爆能枪与机器人的音色由采集加工而成，声音先于画面建立物体属性。
• 剪辑节奏：三线交叉的终局段落以固定节拍交替切换，音乐的推进与剪辑点对齐，形成接近歌剧的结构。
• 以 2.39:1 变形宽银幕拍摄，另制作 70 毫米放大拷贝与六声道音轨，强化影院体验的差异化。
• 概念画先行：麦夸里的画稿在开机前既用于说服制片厂，也直接界定了全部场景设计。

影片 1977 年 5 月上映后迅速成为文化现象，打破了此前的票房纪录。评论界的分裂集中在“它是电影还是游乐设施”：一部分评论认为它的对白与表演幼稚，另一部分认为它的技术成就与神话结构具有真正的原创性。

第 50 届奥斯卡上，影片获十项提名并拿下六项技术类奖项（艺术指导、服装设计、剪辑、原创配乐、音响、视觉效果），本·伯特另获一项特别成就奖。1981 年重映时，片头字幕被加上“第四集：新希望”。此后它经历 1997 年特别版与 2011 年蓝光版的多次修改，其中“谁先开枪”的改动引发持续至今的争论。

• 影片在杀青前的内部试映中曾遭朋友负面评价，布莱恩·德·帕尔玛直接说片头滚动字幕不知所云，这次反馈促使卢卡斯重做了开场字幕的呈现方式。
• 卢卡斯以削减导演费换取周边商品权的决定，使他在此后数十年获得远超票房分成的收入，也改变了电影公司与创作者对衍生权利的估值方式。

《星球大战》不是一部关于未来的电影，它是一部关于电影史的电影。

关于本片的普遍影评意见

影片与《大白鲨》一起被视为“高概念大片”时代的开端：以可复述的单一概念、集中的暑期发行与配套周边为核心的商业模型，此后成为好莱坞的主流。

工业光魔与其运动控制技术在此后二十年主导特效行业，本·伯特的声音设计方法成为电影声音创作的必修课；而影片反复修改的历史，也成为电影保存与作者权利讨论中被引用最多的案例之一。

本片问世于 1977 年，属美国电影。新好莱坞崛起，「电影小子」一代把欧洲作者电影的手法带入类型片；《大白鲨》《星球大战》则开启了高概念时代。

在站内的编目体系中，本片收录于「导演作品、重要作品序列」，可沿这些栏目回看它被归入的脉络。

导演风格：他的核心命题是「神话如何在新技术条件下重新有效」：他大量借用坎贝尔的神话结构与经典冒险片的桥段。他反复写「成长与传承」——少年获得力量、师父牺牲、正义经过漫长的斗争后恢复。他的签名是「世界建构」：他更关心一个可延展的宇宙及其视觉与声音语言，而非单部影片的作者表达。

在站内收录的乔治·卢卡斯作品中，本片按年代排列第 4 部（共 8 部）；之前为《五百年后》《美国风情画》，之后为《星球大战 5：帝国反击战》《星球大战 6：绝地归来》。